水粉是水粉颜料的简称，是用来绘制水粉画的绘图颜料。它是由粉质的材料组成，用胶固定，覆盖性比较强。也称广告色、宣传色等。它是由粉质的材料组成，用胶固定，覆盖性比较强。在很多国家，一般都将其包括在水彩的范畴之中，属于水彩的一种，即不透明水彩颜料。由于其价廉，易学易用，常用于初学者学习色彩画的入门画材，其用法模拟油画技法。

概述

水粉画

水粉画是以水作为媒介，这一点，它与水彩画是相同的。所以，水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是，它没有水彩画透明。它和油画也有相同点，就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是，油画是以油来作媒介，颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然，由于水粉画是以水加粉的形式来出现的，干湿变化很大。所以，它的表现力介于油画和水彩画之间。

水彩画的特点是颜色透明，通过深色对浅色的叠加来表现对象。而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。如果在有颜色的底子上覆盖或叠加，那么这个过程，实际上是一个加法，底层的色彩多少都会对表层的颜色产生影响，这也就是它较难掌握的地方。但是，有经验的画家往往就是利用它的这种特性来表达水粉色彩自身的和特有的艺术魅力。

水彩画

所谓的水彩画就是用水作为稀料来专门调合能被水稀释的颜料，所绘制在特别的水彩纸上的图画。由于它们采用的工具与所用材料和制作过程的特点，水彩画与其他各种绘画有着显著的区别。当今随着科技的发展，绘画材料的增多，用水作为稀料的颜料又多了水粉、丙烯、透明水彩等。这样我们就得对水彩画的概念重新下定义。

从水彩画的特点下定义，水彩画并不单指用水调和颜料这点而言，水彩画有着自己丰富的内涵和一整套与别的画种截然不同的技法。水份多少的控制，水份与颜料的比例，水份在纸上留下的痕迹都成为画面韵律形式及体现的表素。总之，水份是水彩画的生命与灵魂，它起着支配画面效果的主要作用。

从两三百年前到现代，水彩画的概念有所拓展，内涵更广，内容更丰富，大大拓宽了原来的含义，认为只用水来调合颜料画在纸上，画面色彩节奏由水份含量来控制就称之为水彩画。因为现代水彩不仅用水彩色，也用水粉色，丙烯色，国画色，透明水色，局部甚至还用油画色、油画棒、油漆、食盐、沙石等等，也有几种颜料混合使用。总之，水彩画发展的每个阶段的共性就是整个画面的节奏、关系、色彩都是通过水份含量的多少来体现的，画面效果是通过对水份的控制达到的。

区别

水粉又称广告色，是不透明水彩颜料。可用于较厚的着色，大面积上色时也不会出现不均匀的现象。虽然同属于不透明水彩颜料，但水粉一般要比丙烯便宜；但在着色、颜色的数量以及保存等方面比丙烯稍逊一筹。应根据不同用途选择性的使用。

水彩透明度高，色彩重叠时，下面的颜色会透过来。色彩鲜艳度不如彩色墨水，但着色较深，适合喜欢古雅色调的人。即使长期保存也不易变色。而所谓的不透明水彩，就是指树胶水彩画颜料跟广告颜料。一般指的“水彩颜料”都是指透明水彩。至于两者有什么不同，简单地说，就是涂在别的颜色上面的时候，可以清楚的看见下面的颜色的，是指透明水彩。可以将下面的颜色盖住的就是不透明水彩。

发展

关于

了解水彩画的发展史，能帮助我们理解怎样发展水彩艺术，对自己水彩艺术风格的形成起着重要的作用；能开拓青少年的眼界，提高青少年水彩艺术爱好者的理论修养，是青少年水彩艺术爱好者的必修课。

从水彩画概念——“水彩画是用水调合颜色绘制的图画”这样的理解出发，我们可以说水彩画是人类绘画史上最古老的画法。古代埃及人在他们绘制冥途指南（名称叫《死者之书》或《死书》）时运用了熟练的水彩画方法。

又如在古代印度和希腊等民族中，水彩画法也早被应用。“水彩画”也早有出现。

中国的国画与水彩画也有类似之处，用水调和墨彩作画，是中国古老的传统，中国画的山水、风景画到了明末清初，与国外当时的水彩风景画差别已不大了。

拜占庭的画家早就开始了制作树胶质“水彩画”。另外欧洲中世纪手抄本里的装饰画，大多是用水彩画成，这种“水彩插图”是水彩画在另一个领域的新成就。

虽然，用水调和颜色的画种，有如此悠久的历史，但是，古代用水调色的画和现代水彩画却不是一回事，很难肯定的说现代的水彩画就是由古代水调颜色的画发展而来的。因为现代水彩画的工具以及技法，在历史的发展过程中经过了许多复杂的变化。而且，现代水彩画的特点，在古代水调色的绘画中很难找到一点痕迹了。现代水彩画的特点，很难使人们相信它是从古代水调颜色的绘画中发展过来的结果。但是，如果把古代水调颜色的绘画，同当代水彩画截然一刀两断，认为两者之间毫不联系，毫不相通的说法也是不对的，只怕也是很不全面的。因为任何绘画形式都是有关连的，任何绘画形式的发展都是呈穿插式交流发展的，与其他艺术形式毫无关连，独自发展的封闭式艺术形式是不存在、也是不可能的。

国外早期

在国外，最早绘制水彩风景画的是德国巨匠丢勒（1471——1528），他在学画时代就经常用水彩画风景画和动、植物画，他严肃地观察大自然，崇拜、赞叹大自然的千姿百态，他的许多作品都成了视觉艺术的典范。他的主要水彩作品有：《风景》《小白兔》《大草坪》《阿尔卑斯山风景》等。丢勒的动物、植物写生，十分注意局部和细节，使艺术家在动物和植物中表现的魅力得到充分展示。他的风景画也同样十分真实，山脉的安排和结构都具有透视感，而且同时又富有诗意。

在18世纪以前的水彩画，还有一种淡彩作业，色彩也不是十分丰富。当时，描绘野外氛围的微妙变化还是十分成功的。在水彩肖像画、充满诗意的风景画和刻画精致的细密画中，我们可以看到色彩的发展，它为现代水彩画奠定了基础。

到了18世纪和19世纪，英国的艺术家们感觉到，水彩画似乎特别适宜于描绘英国的自然环境、生活趣味和民族特色，水彩画在英国得到了飞速的发展，这朵艺术之花，在滋润的英国土壤中盛开怒放。18世纪和19世纪的英国成为现代水彩画的发源地。

形成

水彩画中，风景画是它中间的主流，处于水彩发展的重要位置。因此，了解水彩风景画的形成与发展，对于了解水彩艺术的形成与发展有着重大的意义。18世纪是英国风景画建立的世纪，也是水彩画形成的世纪。其中地形画通过进一步艺术处理逐渐发展为风景画，淡彩画进一步成为水彩画，两种早期处理手法互相联系，互相渗透，紧密地结合在一起，逐步完成了水彩风景画形成的全面过程。

被誉为水彩艺术之父的保罗·桑德比（1725——1809）以勤奋不懈的工作和出色的才能，在社会上赢得了荣誉和地位。他是宫廷的宠儿，他的周围聚集着一批随学之工，其中有许多当时极负盛名的艺术家和业余艺术爱好者。在那个时代，桑德比被同行们看做是绘画技术的权威，并被他的一些追随者们广为传播，成为一个具有很大影响的人。

老科曾斯，在水彩发展史上被称之为风景画的建立者之一。他是俄罗斯彼得大帝和他英国情妇的私生子，成年后被送往意大利留学，专攻古典派的风景画。他经常在作画技法上大胆创新，他可以随意地在纸上涂抹一些黑、棕、蓝、灰等颜色的团团点点，让颜色化开后转印到另一张纸上去，然后根据他的丰富的想象，点上几笔，纸上就会出现富有浪漫色彩的岩石、丛林、高塔、楼房、屋舍、河流、田野和瀑布等，他还专门介绍这种画种，他一生的大部分时间都花在图画教学的工作上，成为受人尊敬的一代大师，著名的水彩巨子约翰·罗伯特科曾斯就是他的儿子。

抒情类

抒情水彩风景画的兴起有它的深刻历史背景，18世纪英国的工业革命开始了，工业革命使生产力得到了提高，发展了生产，但同时造成工人大量失业，人们对于生活现实表现了越来越多的不满，反映到艺术中来，批判人文中过去的怀古倾向，否定了怀古主义的冷静的处世态度，强调生活中的感情，对艺术也提出了这样的要求，由此产生了艺术上的抒情主义。有几位大师为水彩画的发展做出了巨大的贡献，起到了领导先驱的作用。

盖思斯巴勒（1727——1788）早在大自然还没有被一般艺术家认真理解和精心描绘的时候，他已经在风景画方面很有自己的见地了，他对大自然充满着热爱之心，是欧洲第一流的风景画家。他一生创作虽以油画为主，但他绘制了许多淡彩风景，给后来的许多的画家以启示。

被誉为一代水彩巨子的小科曾斯（约翰·罗伯特·科曾斯1753——1799）是老科曾斯的独生子和学生，他是英国最富有想象力和独创性的艺术家之一，他是新时代水彩画的先驱者中最伟大的一个，人们称他是“用水彩画作诗的人。”

现实类

工业革命新时期的社会变革到来了，抒情主义者只是默默无闻地注视着这一切的到来，赞赏着与这个时代相背逆的东西。这种不言的抗议隐晦地发泄了内心世界的不满，因此在社会上取得了不少的成功，但是他们的弱点是始终不曾正面去表示一下自己的意见。

在资本主义开始发展的时代里，资本主义所暴露出来的恶劣品质，逃脱不过敏感的艺术家的眼睛，在他们富有滑稽幽默风格的思想中，开始被淋漓尽致地揭露出来，并很快地博得了市民阶级的赞赏。

16世纪以来，水彩一直作为风景艺术的一门语言，从工业革命开始，人物、故事、历史题材开始闯入了水彩的世界，水彩艺术的新时期到来了。这一时期的代表主要是罗兰森。

托马斯·罗兰森是一个商人的儿子，早在皇家美术学院学习时，便充分显露出他超人的想象力和滑稽的幽默感，并成为他艺术道路的基石，幽默是其一生艺术的特点。罗兰森不仅是一位漫画家，而且是一位描绘世界感觉和周围生活事件的评论家，他用无声的说教让读者自己去体会深思，并用幽默的笔调打击资产阶级的尊严。

写实类

约翰·康斯特布尔（1776——1837）是一位真正的田园画家。他描绘大自然，不加丝毫虚饰，也不追随任何人，因此成为写实主义风景的开创人，他是第一个描绘英国潮湿空气的画家，是最早描绘穿过叶簇，照射在草地上，点点阳光，和云彩的艺术家。他大量描绘了大自然的形状和素质，以及前人从未尝试过的平凡的景色。康斯特布尔为以后的印象主义的发展开创了道路。

康斯特布尔出生于一个磨坊主的家庭，1799年进入皇家美术学院学习。他对自己的信念从不怀疑，不过是想把自己异常了解和热爱的事物画得出色一点。他说：“我想象自己在敲板钉子，已经敲了一下，只要坚持，一定能敲得很深，如果停下来去效仿别人，即使能借此自慰，也不会因此有所进步，并且这板钉子就会留在原处，一动未动。”他在前期由于得不到人们的认识与首肯，只有靠绘制肖像的临摹糊口，尽管他的《白马》和《干草车》分别在1824年和1825年获奖，但这并没有改变他贫困的生活，以及生活中所受到的冷遇，可是他依旧顽强向前直到1837年逝世。他是一位完全尽忠于自己理想的艺术家。

布莱恩说康斯特布尔的速写：“这不是画，而是灵感。”富塞利也评价说：“使我想起披上外衣，带好雨伞。”

康斯特布尔的水彩画，是他生活和自然印象的直接体现，他总是画得很快，很精，很有力量，他的作品是为他个人需要而画，因而被人们所忽视；然而，他作品的启示性是英国绘画史上的重要财富之一。

而今，康斯特布尔被称为开创英国风景画新时代的巨人，并且也是开创世界水彩风景画的先驱，对后世的艺术家影响广泛而深远。

19世纪

19世纪的艺术，也称“维多利亚时代”的艺术，这一时期的艺术内容庸俗，形式空洞，为改变这一状态，拉斐尔前派运动开始兴起，是向维多利亚时代沉腐的艺术形式的挑战。这一运动分为前后两阶段，前一阶段以米莱为代表。后一时期以莫里斯为代表。

米莱是19世纪英国最伟大的画家之一，他比同时代的画家更多地将一种新的，健康的生命力灌注于英国艺术。他有力而真实地描绘了所见到的一切，在写实这一点上，他是非常卓越的。米莱晚年所画的水彩画，忽视了水彩的透明性和其他特性，画出的水彩画常常与油画很相似。

莫里斯是一位多才多艺的画家，他不断寻求艺术表现的新形式、新手法，他认为真正的艺术离不开生活，艺术实践本来逃不出道德、社会和政治信仰的范畴，他把后期拉斐尔前派的思想活动更向前推进了一步。

20世纪

印象主义在法国的发展，带动了其在英国的传播，最早把印象主义带到英国的是惠斯勒，他被誉为是19世纪末欧洲最杰出的画家之一。

他在巴黎时，对印象主义极感兴趣，他依赖于实际观察，而他先入为主的和谐色调，又完全压倒了对自然的模仿，印象主义重在表现客观世界的色彩变化，惠斯勒却倾向于理想的色彩和谐。惠斯勒同时是一位优秀的水彩画家和版画家。他的版画被誉为伦勃朗以来最杰出的版画，他的水彩和他的油画相仿佛，素静淡雅，情调迷人，虽着笔不多，却意趣无穷。

与惠斯勒同时代的萨金特是写实主义肖像画家。他绘制了大量上层社会的人物肖像，构成了那一时代的缩影，萨金特的水彩风景画，带有浓厚的即兴速写的情致，水份淋漓，色彩悦目，光的处理令人惊叹，他是皇家水彩画家协会会员，皇家苏格兰美术院学生。

19世纪末，20世纪初，苏格兰画派中水彩名家辈出，他们继承英国水彩艺术的优秀传统，又吸收当代世界艺术潮流的营养，把水彩画推向了一个更新的高度，其中最优秀的代表人物有威廉·罗塞尔·弗林特，他的每幅水彩作品都是欢乐印象的记录，色调明快、清新，用笔流畅，其最大长处是画面的真实性和动情性。

现代主义

欧洲大陆对英国艺术的影响，远超出印象主义的范围，1909年成立的现代艺术协会成员的创作，表现方法为后印象主义的风格。1914年开始萌芽的漩涡主义，都分别源于欧洲大陆的立体主义和未来主义。1933年，保罗·纳什组织的“第一单位”是超现实主义的团体。

这一时期的代表人物有温得姆·刘易斯，第一次世界大战期间，他在法国创作士兵生活题材的图画，发展了立体派的几何形风格，表现了对战争的厌恶，他的形式和风格在当时画坛上引起了争论。

弗朗西斯·霍奇金斯（1869——1947）也是其中重要的一位。她是被邀请到巴黎任教的第一位英国女画家，她的画在色彩和色调上受到马蒂斯和日本绘画的影响，形式美妙和谐，具有高度的独创性和丰富的感情，它不断地启发了工艺美术家们的灵感。

水粉性能

色彩纯度与明度的局限性

水粉颜料在湿的时候，它颜色的饱和度和油画颜料一样很高，而干后，由于粉的作用及颜色失去光泽，饱和度大幅度降低，这就是它颜色纯度的局限性。水粉明度的提高是通过稀释、加粉或含粉质颜料较多的浅颜色来实现的。它的干湿变化非常之大，往往有些颜色只加少许的粉，在湿时和干时，其明度就表现出或深或浅的差别。由于水粉干后颜色普遍变浅，所以，运用好粉是水粉画技术上最难解决的问题。而含粉的色彩又恰恰使画面的颜色充满水粉画特有的“粉”的品质，而出现特别丰富的中间色彩。

个性差异

水粉颜料大部分颜色是比较稳定的，如土黄、土红、赭石、桔黄、中黄、淡黄、橄榄绿、粉绿、群青、钴蓝、湖蓝等等。但是，水粉颜料中的深红、玫瑰红、青莲、紫罗兰等颜色就极不稳定，容易出现翻色，不易覆盖。水粉颜色的透明色彩种类较少，只有柠檬黄、玫瑰红、青莲等少数几种颜色，要画好水粉画就必须充分掌握水粉各颜料的个性，了解它的受色能力的强弱、覆盖能力的大小、色价的高低。这些问题都要通过不断实践，做到熟能生巧。

成分

制造水粉颜料需要有各种着色剂、填充剂、胶固剂、润湿剂、防腐剂等结合剂。

着色剂——使用球磨机磨研成极细的颜料粉。

填充剂——主要是各种白色颜料或小麦淀粉等。

胶固剂——糊精、树胶等。

润湿剂——冰糖、甘油等。

防腐剂——石炭酸或福尔马林。

水粉画的填充剂所采用的白色颜料有铅白、锌白、白磁土(钡白)、陶土(高岭土)等。

铅白——是纯白色的人造矿物质颜料。纯净的铅白与镉黄以外的其他颜料相混合都是十分耐光与牢固的。

钛白——是一种华美的纯白颜料，属人造矿物质颜料。无论单纯的钛白或与其他颜料混合，都是耐光与持久的，但要避免与钴黄、镉黄和洋红相混合，因为一经混合即会变黑。

白磁土——即钡白，是纯硫酸钡，为人造矿物质颜料，具有特别的耐光性和抗衡外部影响的坚固性，与其他颜料混合具有持久而坚固的特性。

锌白——是一种稍微偏冷的白色，耐光而持久的人造矿物质颜料。它的严重缺点是色层脆弱缺乏弹性，易龟裂散落；且易吸潮、容热；遮盖力也较薄弱。经过一定的时间后，特别是受了太阳热和潮湿的影响，就会明显地丧失遮盖力，色彩也不纯正，主要作为制造质地及品级较低的水粉颜料的附加物。

结合剂中的胶固材料(糊精、树胶等)能使颜料牢固地附着在纸面上，胶固剂过量时，可能会使局部水粉色层产生表面光亮，使画面不统一；相反胶固剂如果用量不够，会使颜料干燥污秽，与纸面结合不牢固，容易擦掉。结合剂中的润湿剂，如冰糖、甘油等能使颜料增加弹性，减慢干燥速度，画面色彩衔接滋润柔和。糖分与甘油是吸收潮湿力极强

的材料，如果过多，就会使颜色变黑，色层酥脆而不结实。使用石炭酸、福尔马林等防腐剂能使颜料在气候的温湿度变化情况下，也不至于发霉变质。

颜色种类

红棕色系：深红、大红、朱红、玫瑰红、肉色、橙红、土红、棕红、赭石、熟褐；

黄色系：橘黄、土黄、深黄、中黄、淡黄、柠檬黄；

绿色系：墨绿、深绿、橄榄绿、中绿、粉绿、淡绿、黄绿、翠绿、草绿；

蓝紫色系：普蓝、群青、天蓝、湖蓝、钴蓝、紫罗兰、青莲；

高级灰：橙灰、黄灰、紫灰、蓝灰、绿灰、牙黄灰、浅蟹灰、红豆灰、绿豆灰；

灰度：煤黑、钛白、培恩灰；

特殊颜色：荧光桃红、荧光橙、荧光黄、荧光绿、金、银、紫铜。

注：颜料最好使用正宗美术用品生产厂家生产的管装或罐装的专业产品，优质水粉颜料应膏体细腻，色彩饱和鲜艳，不脏不灰，稠度适中，无结块，无渗胶。切勿被廉价的劣质产品所迷惑。

固有色

就是物体本身所呈现的固有的色彩。对固有色的把握，主要是准确的把握物体的色相。由于固有色在一个物体中占有的面积最大，所以，对它的研究就显得十分重要。一般来讲，物体呈现固有色最明显的地方是受光面与背光面之间的中间部分，也就是素描调子中的灰部，我们称之为半调子或中间色彩。因为在这个范围内，物体受外部条件色彩的影响较少，它的变化主要是明度变化和色相本身的变化，它的饱和度也往往最高。

水粉渲染

水粉渲染的历史较短，其他国家有几十年的历史，而在中国则是70年代前后才起步。

中国的建筑师在学校里都受过水彩渲染的训练，过去的建筑透视图也多用水彩渲染表现。由于水彩渲染色彩鲜明度变化范围小，图面效果不够醒目，绘制速度慢，在70年代，中国有些建筑师开始尝试用水粉颜料来表现建筑物。由于受水彩渲染技法的影响，尽管颜料变了，但对画面色彩的处理原则仍与水彩渲染大体相似。例如，较大色块如天空，墙面，阴影等的着色，要求做均匀退晕，画面全部画满，画面全都要用水粉产料绘制，不允许掺杂其他颜料等。

这水粉渲染技法的出现对于水彩渲染来说显然是一个进步，使画面变得醒目多了，绘制速度也有所提高，但是还存在某些缺点。例如，满足将画面画满的要求就需要画出大面积的天空，白云，地面和配景，这要花费不少时间，也需要具备较高的绘画技巧；满足均匀退晕，对于水粉渲染来说，不容易做好，也就影响了绘制速度的进一步提高；另外，单一的水粉颜料难以更有效地表现某些材料的质感等。

其他国家近些年来发展起来的现代水粉渲染技法避免了上述缺点，又向前发展了一步。这种技法不拘一格，综合运用多种工具和材料，发挥各自特长，加强了水粉渲染的表现力，进一步缩短了绘制渲染图的时间，提高了工作效率。为了与前者区别，我们称这种渲染技法为现代水粉渲染技法。

现代水粉渲染作品一般是画在有颜色的纸或纸板上的，这种色纸或纸板在国外有售，其色调不同，但多为较含蓄的不同倾向的灰调。绘制用笔主要有水彩笔，化妆笔，板刷等。这种渲染技法所用颜料不受种类限制，水粉颜料，水彩颜料，颜色铅笔，铅笔等并用。具体来说，玻璃着色一般用水彩颜料，有时局部用少量水粉颜料；配景用水粉颜料，远景也可以用水彩或很薄的水粉着色；地面用水彩颜料着色；天空一般不着色，而用色纸本身色调；去用水粉颜料或用白色铅笔着色；材料质感用水粉颜料，颜色铅笔，铅笔等去表现，等等。当然，这种渲染技法所需要的个别条件目前在中国尚未完全具备，如色纸种类极少，也不适用等。但是，可以根据具体情况对上述渲染技法略加改造，也能绘制出同样的效果的渲染图。

水粉静物

水粉静物写生，首先应该注意的是培养自己的色彩感觉能力，只有感觉到的东西，才能被准确地表现出来。从美学角度来看，描绘静物是人们对日常生活物品审美需求的反映。静物画题材非常富于绘画性，有着独立的艺术欣赏价值。另一方面，它在绘画基础训练中又有十分独特的地位。学生可以在光色相对稳定的画室里，较长时间进行深入的写生练习，从容地观察各种光影现象和色彩关系，研究各种不同物体的固有色，在不同情况下的光源色、环境色中的变化。还可以根据绘画者自身的要求和需要，任意选择对象并随意组合相应的静物内容和主题，从而组织出一个从造型到色彩都符合练习要4求的画面。所以水粉静物写生常作为各类美术院校或专业入学考试（色彩科目）的主要内容，并被列为绘画基础课的主要训练内容之一。

水粉静物写生，要结合技法的运用来谈。水粉静物写生的技法有着相对的灵活性和多样性。它既可以借鉴油画的塑造手段，又可依据水彩画的表现技法，还可以将两种方法兼容并用，形成了水粉画在表现色彩时所具有的优势。它为人们理解和掌握色彩关系及其变化规律，提供了较为灵活和便利的条件。

水粉画又有其特殊的问题，如容易出现的脏、灰、粉、生等毛病，对初学者，甚至对有了一些作画经验的人，都是很难解决的。产生这些现象的原因，有技法问题，同时也有观察方法的问题，然而主要问题多是由于作者对客观对象所产生的色彩现象缺乏一定的理解。比如，把一块很漂亮的颜色，放到一幅和谐的色彩画中去，也可能会显得脏。一块在这幅画中看起来似乎很暗很脏的颜色，放到另一幅画中却显得十分漂亮。稍有绘画经验的人都能有所体会，关键问题就在于需要我们要用色彩关系及其变化规律的原理去理解、分析和表现客观对象的色彩。/n

在静物写生中，常可看到这样的现象，被描绘出来的苹果，由于过多地注重条件色对其固有色的影响，使本来颜色很鲜艳的苹果，画出来后给人的感觉很脏很烂。还有在描绘物体时只注意了其固有色，忽视了条件色对它的影响，给人的感觉好像此物体不是放在这个特定环境中的物体。以上两例所描绘出来的物体都给人以不典型、不生动的感觉，原因多在于缺少用色彩关系及变化规律的原理去理解和分析对象的色彩。/n

因此，理解和掌握色彩关系及其变化规律是至关重要的。它能使我们观察色彩的能力得到提高，表现出来的色彩也就会真切，同时也会使我们在色彩写生和创作中占有主动权，免于被动地模仿对象的颜色，而是按照客观对象在一定的条件下所形成的色彩关系进行描绘，也就是我们常说的画画是画关系，而不是画东西。

在静物写生中还应引起我们注意的是有些质感特殊的物体，如瓷器、金属制品，它们对光源色及环境色的反射能力很强，它们所反映出来的光源色和环境色有时与被反映的物体的颜色几乎没有什么差别。还有一些如陶制品、木制品类的物体，它们对光源色及环境色的反射敏感程度很弱，有时很难辨出其受光源色及环境色的影响。这就需要我们对反射能力极强的物体要找出其固有色的因素，反射光色能力弱的物体寻找出其光源色及环境色的成分。

着色步骤

水粉画易于修改，初学者往往思想松懈，缺乏严格的方法步骤。应当每一步都不马虎潦草。有了严格的训练，才能进步得快，否则欲速则不达。

起稿

开始象画素描一样，先用铅笔定位置和比例，不必用橡皮，以免损坏纸面，影响着色效果。接着用颜色定稿，根据静物的色调，用赭褐或群青色定稿皆可。色线可略重一点，并可用定稿之色薄薄地略示明暗，为下一步的着色作铺垫。造型能力强一些的，也可直接用色线起稿，不示明暗，直接着色。

铺大色调

定稿之后，迅速地观察一下整体色调和大色块关系，做到胸有成竹，尽快地薄涂。此刻不要考虑形体与笔触，根据新鲜的色彩印象大胆挥洒，造成画面的色彩环境。有的人在完成上一遍色后，就急于具体刻划。应进一步调整大色块的关系，使色彩之间的关系和总的色调，与实际感觉相吻合。

具体塑造

在大关系比较正确的基础上，进一步进行具体塑造，从画面主体物着手，逐个完成。集中画一件物体干湿变化易于掌握，也易于塑造其受光与背光不同面的色彩变化。此时眼睛要随时环扫周围，从局部入手但不能陷入局部，顾此失彼。要看该物体与背景和其他物体的关系，掌握分寸，细节可留下一步刻划。这一遍色用色要适当加厚，底色的正确部分可以保留，增加画面的色彩层次。

细节刻划

对琐碎多余的细节固然可省略，但对表现物象特征与质感的重要细节应加强刻划，画龙点睛。细节要综合到整体之中。最后的笔触最为重要，它将不被覆盖而显露给欣赏者。

画室外一幅静物写生，作为基本练习一般以八小时为宜，力求深刻准确。熟练之后三、四个小时也可以表现得比较充分。作画时间较长，眼睛容易疲劳，色感容易减弱，具体刻划又容易忘记整体。在写生接近完成的时候，恢复一下第一印象，检查一下画面：在深入刻划时是否有些地方破坏了整体，局部和细节的色彩有没有“跳出”画面，还有没有其他毛病。检查后，调整、修改、加工。错误之处，如画得太厚，要洗掉再画，直至完成。

干湿技法

水粉画运用的干湿技法，主要指调色时含水和白粉量的多少。

干画法：就是说水少粉多的意思，这种画法多采用挤干笔头所含水分，调色时不加水或少加水，使颜料成一种膏糊状，先深后浅，从大面到细部，一遍遍地覆盖和深入，越画越充分，并随着由深到浅的进展，不断调入更多的白粉来提亮画面。干画法运笔比较涩滞，而且呈枯干状，但比较具体和结实，便于表现肯定而明确的形体与色彩，如物体凹凸分明处，画中主体物的亮部及精彩的细节刻画。这种画法非常注重落笔，力求观察准确，下笔肯定，每一笔下去都代表一定的形体与色彩关系。干画法也有它的缺点，画面过多的采用此法，加上运用技巧不当，会造成画面干枯和呆板。但干画法的色彩干后变化小，对于练习色彩收效较大，也容易掌握。

湿画法：此法与干画法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩画及国画泼墨的技法，也最能发挥水粉画运用“水”的好处，用水分稀释颜料渲染而成。湿画法也可以利用纸和颜色的透明来求得像水彩那样的明快与清爽。但它所采用的湿技法比画水彩要求更高，由于水粉颜料颗粒粗，就要求湿画时必须看准画面，湿画部位一次渲染成功，过多的涂抹或多遍涂抹必然造成画面灰而腻。

但这种画法运笔流畅自如，效果滋润柔和，特别适于画结构松散的物体和虚淡的背景以及物体含糊不清的暗面。如发挥得当，它能表现出一种浑然一体和痛快淋漓的生动韵味。它的色彩借助水的流动与相互渗透，有时会出现意想不到的效果。为制造这种湿效果，不但颜料要加水稀释，画纸也要根据局部和整体的需要用水打湿，以此保证湿的时间和色彩衔接自然。有关湿画法的控制及实际操作运用，上述画法步骤中已讲得很多，不再一一细述。

水粉画干湿画法的特点以及应用范围，基本上如前所述。要特别说明的是：干画法与湿画法的分界是以画笔含水量的多少来决定，一般人认为用粉及用色多了，画得厚了，就是干画法，这不准确，因为必须是粉多、色多、水少才成为干画法。也有人认为粉少、画得薄就是湿画法，这也不确切，只有稀释颜料用水多的情况下才能成为湿画法。因此，可以说有粉多的干画法，也有粉少的干画法。与此相反，湿画法也有粉多湿画法和粉少的湿画法。但不管干也好，湿也罢，仍然以粉使用之得当为佳，这样才不失水粉画的特点。

干画法和湿画法，二者在作画时应交叉运用，只是根据画面实际需要，有的湿画法运用多一些，有的干画法运用多一些。如果一幅画用水过多，全部采用湿画法来处理画面，就容易造成失控，使物体松散，并失去色彩光泽。同样，全部采用干画法，靠堆积的颜色和白粉不断加厚画面，就会出现死板、干裂和颜色脱落的情况，画面也难以长期保存。总之，干、湿画法只有根据作画步骤，由湿到干、由薄到厚的顺序合理运，才能发挥干、湿技巧的最佳效果。这是一般的作画过程所遵守的原则，真正运用还要在实践中根据画面要求灵活掌握。

静物画技

第一步：这种平摆浮搁的构图给人的感觉很自然，也是一种构图形式。单色起底。用色要注意，造型要准确。

第二步：这是一幅紫颜色的画面，紫色不易反复画．第一遍的颜色要争取画准确，使下一步能有一个好的基础。黄与紫是强对比色，通过玻璃盘的灰紫色；把两种对比较强的颜色连接起来，把粉紫色衬布上的梨和桔子的暗部色画得偏桔偏暖、形成对比，

很有颜色感、瓷瓶和瓷碗的反射能力较强，在背光的暖颜色加了紫色的成分，使整体颜色处在变化统一的色彩气氛中，很响亮鲜明。

第三步：用干画法表现塑造桃子的质感。用小笔调一下的黄绿色，画出桃子的微妙变化；如背光、反光、倒影、桃子之间的缝隙。而粉紫衬布上的黄梨颜色调得很饱和，水分适当．如浅黄加白至中黄过渡到桔加绿，在颜色湿的时候进行衔接，笔触含蓄，表现出梨的光泽质感和韵味。花瓶受光部分的花纹可画虚些，偏蓝紫味．而转折部画的实些，背光带绿味。这一步要注意画面的虚实、强弱、冷暖变化。

第四步：这一步是收口工作，要求准而精、一定要整体观察．影响整体关系的地方要毫不犹豫改掉，如花瓶背光的调整，调普蓝加熟褐画出背光里的花纹变化，边缘处调点紫色，明度与后边的衬布接近，使之边缘线含到背光里面，空间感比原来要好多了。桃子之间的关系有些过实，缝隙过重可带点暖色减弱些。玻璃酒杯的边缘用小笔细心画出细线，提出质感、粉衬布靠里边一些地方加了些冷灰色。白碗里的梨边缘也带了几笔。前后形成色彩的透视变化和画面的整体协调感。使画面更完整。

第五步：调整画面，细部的地方，大体的画面要处理好，杂乱的东西要除去。水粉画的着色方法水粉画颜色有较强覆盖能力，但也不能毫无顾及地随便乱涂，它有自己一定的着色方法和步骤。

从整体到局部

水粉画是色彩画的一种，它同水彩、油画一样，都是从画大色块入手。整体着眼和从大体入手是我们的作画原则，大色块和大片色，对画面色调起决定性作用，应首先画准组成画面的主要色块的色彩关系，然后再进行局部的塑造和细节刻划。

深重色到明亮色

明亮色多是厚涂，一遍遍薄涂亮不起来。先画深重色，容易被明亮色覆盖；相反，一般是先画面积较大的深重色（包括暗部和明部和重色），予以确定画面色彩的骨架。逐步向中间色和明亮色推移。以明亮色为主的画面，还是要先涂明亮的大色块，颜色稍薄一点，局部小面积的深重色后加上去。如果中间色为主，作画时先涂中间色，运用并置的方法，分别向面积较小的暗色的明亮色画过去。方法不是死的，要根据情况灵活掌握。

从薄涂到厚画

薄涂即用水稀释颜料，如同画水彩画，根据总的色彩感觉，迅速地薄涂一遍，造成画面整体的色彩环境，尔后逐渐加厚，深入表现。薄涂比较正确的地方要善于保留，使画面色彩有厚有薄，以增加色彩有层次和厚重的效果。水粉画颜料不象油画、丙烯颜料附着力强，可随意画厚。水粉画的厚涂要厚的适当，过厚容易龟裂脱落，所以较厚而不准的颜色应洗掉再画。

着色技法

干湿画法

在水粉画中，干画法一般是指厚涂重叠的方法。此法可以反复地画，一遍不行再画一遍，表现对象比较充分、深刻，也宜于初学者掌握。这种厚画的画面，类似油画的效果，有浑厚之感。湿画法是以薄画为主，发挥水色渗化的效果，着色遍数不宜多，甚至白色部分可以空出白纸，具有水彩画湿润流动的意趣。当然，一些局部加厚也是可以的，干湿结合会增强表现力。

并置和重置

并置是笔触在画纸上并列摆置，着色遍数较少，开始用色即厚一些。如强调二度空间的画面。先用毛粗暴色线勾一下轮廓及结构，添色时用并置的方法把颜色摆上去，压出色线。重置是一种叠色的方法，以色点、色线、色块进行重叠着色。作画大都是重置与并置结合运用，以利充分地表现对象。

干湿变化

颜色干湿变化是水粉颜料的特性之一。将颜色涂在画纸上，湿时感觉比较恰当，干后才会发现变淡变灰一些。不了解这一特性往往给着色带来被动。掌握这一特性，事先预计干后的效果，可避免后加之色成为不协调的“补钉”。作画时，应从薄到厚进行着色。先厚画再薄涂干湿变化大；先薄画，逐步减少用水画厚，干湿变化不明显，较易掌握。修改画面时也适合厚涂。也可在要修改的周围涂一点清水，修改的部分干后就会自然统一。

色彩衔接

画面需两块颜色衔接要自然，从明到暗要过渡圆润，色彩要衔接恰当。方法有三：

a.利用湿画，使明色与暗色、此色与彼色，由于水的作用交互渗化，这样效果会自然而柔润。一遍不行，可照此方法再画一遍。

b.在两色之间用中间明度的颜色画上去，虽有明显笔痕，远看过渡自然。

c.两色衔接生硬之处，可用其中一色在邻接处干扫几下，增加过渡的色阶。也可用笔蘸少量清水在生硬之处轻扫几下，使两色衔接处从明度或色彩方面揉出过渡层次，转折即会自然。

d.用笔笔色在纸面上运动，出现笔痕，即谓笔触。一般通过画面中的笔触可以看出画家大致的作画顺序和怎样用笔来塑造对象的，用笔不是目的，是一种表现手段，许多画家的笔法是有所区别的，有的大笔纵横，有的小笔点绘。哪一种笔法好呢。怎样用笔才对。应该从表现对象的目的着眼，根据不同物象的不同结构、不同质感和作者的不同感受，立足于表现。要从表现对象出发，为表现形体结构和色彩，灵活运用涂、摆、点、勾、堆、扫等各种笔法进行描绘。